Cinco artistas en los que inspirarnos para enseñar dibujo

La capacidad expresiva y comunicativa de los niños y niñas es algo que les pertenece pero que queda, por así decirlo, aletargada a medida que crecen. Ya para el adulto no es una necesidad tan apremiante el dibujar, a no ser que tenga inquietudes artísticas. No obstante, si en algo estamos de acuerdo casi todos es que el arte es necesario en la sociedad. En este sentido, introducir ejercicios en el aula en relación a la técnica y temática de artistas aporta conocimiento.

Como ejemplos podemos enseñarles dibujos y pinturas de los siguientes artistas con cuya obra, probablemente, se sentirán identificados.

• Heinrich Reisenbauer (1938)
• Franz Kernbeis (1935-2019)
• Joan Miró (1893-1983)
• Paul Klee (1879-1940)
• Gabriele Münter (1877-1962)

La manera de presentarlos es sencilla. Mostraremos algunas imágenes de su obra y analizaremos la composición, así como los elementos de dibujo. Y siempre podremos introducir más o menos conceptos según las edades de nuestros alumnos.

Los siguientes son aspectos básicos que pueden comentarse observando cualquier obra de arte. Si enseñamos en Infantil, Primaria o Secundaria los podremos adaptar a la franja de edad correspondiente.

• Estructura y composición
• Punto, línea y plano
• Forma y fondo
• Color y luz
• Abstracción y figuración

Para medir la consciencia que los niños y niñas tienen de la estructura y la composición, es necesario apreciar la evolución de sus dibujos. La concreción de las formas y la capacidad de abstracción se reflejan gradualmente desde Infantil hasta los cursos de Primaria.

La relación entre punto, línea y plano la comprenden mejor una vez comienzan a trabajar la geometría elemental plana. Llegará un momento en el que dominarán el manejo de los instrumentos de dibujo y entenderán la tridimensionalidad a través de los sistemas de representación. Pero más allá del dibujo técnico, necesitan observar la relación de estos tres elementos básicos en obras pictóricas.

El entendimiento de la forma y el fondo es progresivo. En este proceso les podemos ayudar a distinguir los espacios vacíos, las texturas que diferencian unas figuras de otras y los grafismos que las generan. De este modo se darán cuenta de cómo influye la variedad de texturas visuales en el volumen de las figuras.

El color y la luz van cogidos de la mano por la diferencia tonal. La luz influye en cómo vemos el color, el cual además puede transmitir varias sensaciones. Es esencial, incluso, analizar su ausencia en las obras.

En cuanto a obras abstractas y figurativas podríamos mostrar ejemplos contrarios para diferenciarlos. Aunque también aquí hay un factor subjetivo que corresponde a cada maestro y maestra. No todas las personas vemos las obras de arte de igual modo. Además, existe la posibilidad de que una obra esté a caballo entre la figuración y la abstracción. En consecuencia, es necesario basarnos en el análisis según los parámetros habituales de la historia del arte, sin dejar de aportar nuestra propia mirada.

¿Y qué explicamos sobre el trabajo de los cinco artistas nombrados? Algo importante a señalar es cómo han madurado la técnica para desarrollar su propio estilo. Y sobre cada uno, de manera resumida, podemos transmitir las siguientes ideas.

La conexión de la obra de los austriacos Franz Kernbeis y Heinrich Reisenbauer con los dibujos de un niño es fantástica. Su obra se encuentra en el Museum Gugging y en la Galerie Gugging.

Kernbeis hace uso de los lápices de colores creando texturas sobre el papel, de modo que las capas superpuestas añaden tridimensionalidad a sus trabajos. En sus dibujos podemos ver figuras híbridas con forma de animal y vehículo, aviones que parecen tener alas de insecto o flores que prolongan el jarrón que las contiene. Las líneas cobran protagonismo y se retuercen creando planos superpuestos que sugieren la sensación de profundidad.

Reisenbauer también ha trabajado con lápices de colores sobre papel. Además, con acrílico sobre lienzo. Sus trabajos se caracterizan por la repetición de un motivo con ligeras variaciones.

Si dibuja un sol, lo repite en filas desde arriba hasta abajo del soporte, como si se tratara de representar un estampado. Pero cada figura es ligeramente diferente a la otra. Entre ellas podemos encontrar nubes, frutas, sillas, botellas, vasos, pantalones o llaves, por nombrar algunos de los motivos que inundan sus dibujos.

El pintor y escultor español Joan Miró nos dejó un legado artístico único, que constituye un universo propio junto a sus pensamientos y reflexiones sobre el arte.

Para hacernos una idea de su dimensión como artista podemos apreciar el trabajo expuesto en la Fundación Miró de Barcelona, donde también existe una extensa bibliografía sobre su obra.

De la pintura de Miró mostraría tanto sus trabajos figurativos como los abstractos. En algunos de los primeros representó el entorno rural. Era un hombre joven cuando los pintó y tienen cierto parecido con la pintura naif. En esas obras ya se advierte la simplificación del paisaje en novedosas abstracciones. En los segundos, el punto y la línea son protagonistas en el espacio del lienzo aparentemente caótico. Lo orgánico se traduce en transformaciones sin descanso y el color acompaña a la metamorfosis de ojos, estrellas, aves, ruedas, lunas, soles y peculiares personajes.

Algunas de sus representaciones se prolongan más allá del espacio compositivo, lo cual también evidencia la energía con la que utilizó los pinceles. Hay libertad de ejecución en su trabajo a la vez que una decisiva concreción para delimitar la pintura.

En la obra de Paul Klee también se observa un universo particular. El artista hizo un gran esfuerzo por aunar lo cósmico y lo terrestre, dejándose llevar por la intuición. Su concepción del arte estaba íntimamente unida a la naturaleza y el sentido de la creación. Al hablar del arte y los artistas hizo una comparación con las raíces de un árbol y dijo:

«De las raíces afluye al artista la linfa que le atraviesa a él y a sus ojos. De este modo, realiza la función del tronco. Impulsado y conmovido por la potencia del flujo de la linfa, lo dirige en la obra según su visión.»¹

En su pintura se pueden ver interpretaciones de objetos cotidianos y representaciones muy personales de los animales. Desde sus primeros trabajos, donde aparecen la figura humana y la casa, se aprecia una experimentación continua con la textura y el color. En este proceso, la ambigüedad se enfatiza por la titubeante estabilidad de las formas. Es más, en su obra se aprecia el sentido lúdico de la perspectiva ya que todo parece moverse y trasladarse continuamente. El haber crecido en una familia de músicos, sin duda, influiría en el desarrollo de sus cuadros.

Para ver su obra en España se pueden visitar el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza  y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Otra fuente interesante es la del Museo Guggenheim de Nueva York. Y en el Museo Guggenheim de Bilbao podéis leer una guía para educadores.

En la obra de la pintora alemana Gabriele Münten no pueden pasar inadvertidos los vivos colores de sus paisajes, que constituyen un lenguaje pictórico propio. Su obra puede verse en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en el Princeton University Art Museum, en el Schloss Museum Murnau o en el Lenbachhaus Museum, entre otros.

Las composiciones de sus cuadros son aparentemente sencillas, pero cuidadosamente realizadas. Si observamos sus escenarios, podemos ver formas creadas con determinación. Los planos se dividen no solo por la contrastada combinación cromática, sino por una línea oscura que hace el efecto de los cristales de una vidriera.

Además, en sus lienzos a veces el fondo es figura y otras la figura es el fondo como en un eterno yin-yang. La tierra, la vegetación, el cielo y las nubes aparecen en algunos cuadros unidos a las casas, de manera que irrumpen en sus límites.

Sin duda era una artista que conceptualizaba su temática. Contemplando sus apuntes, los bocetos para algunas de sus obras y sus autorretratos, se puede intuir un intento de narración algo velada. Como si hablara con el lenguaje secreto de las formas y el color.

Un lugar interesante relacionado con su vida y su obra es la casa en Murnau, que actualmente es posible visitar.

Espero que este artículo os anime a seguir creando nuevas unidades didácticas y a desarrollar ideas para que vuestros alumnos y alumnas valoren cada vez más el arte. ¿Qué artistas te han inspirado para tu clase? Cualquier aportación será bienvenida en los comentarios.